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- Escrito por Jose Fonseca
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Marsi Caraballo
Marsi Caraballo presenta una serie de obras tridimensionales colgantes, compuestas de círculos de papel descartado. Con su trabajo lleva al espectador un mensaje de concienciación sobre el reciclaje del papel y otros materiales que de otra forma terminarían en la basura. Su obra crea imágenes deconstruidas y patrones de color sobre tela moldeada de manera orgánica que asemeja una piel forrada de escamas.
“La artista Marsi Caraballo con su obra aspira a enviar un mensaje significativo, de frente a los excesos y a los residuos que resultan de una cotidianidad gráfica distintiva de toda sociedad consumista. Pieles, a través de miles de esferas confeccionadas de papel reciclado crea superficies que dan la ilusión de escamas sobre un cuerpo y provocan una mirada detenida a descubrir en qué consisten las capas de esta piel. Cada escama es un recordatorio a la conciencia sobre el medioambiente y a los desperdicios de materiales impresos.” Dra. Ana Rebecca Campos, curadora de la exposición.
La exposición incluye imágenes fotográficas que representan el uso práctico de las piezas; también se presentará un performance donde la bailarina y coreógrafa Sorely Muentes experimenta con el sonido y movimiento de los círculos de papel de sus instalaciones.
Marsi Caraballo, diseñadora de profesión, es egresada de la Universidad de Puerto Rico Recinto de Rio Piedras con concentración en Artes Plásticas y de la Escuela Central de Artes Visuales de San Juan. Ha expuesto en Estados Unidos y Puerto Rico.
En exhibición hasta el 29 de septiembre de 2024.
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- Escrito por Jose Fonseca
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La sala "Santos de Palo de Puerto Rico" comparte la riqueza devocional e iconográfica de la tradición de la imaginería popular puertorriqueña. Las piezas, de diversas épocas y talladores, fueron donadas al Museo de Las Américas por Ricardo E. Alegría Gallardo (1921-2011) y Carmen Ana “Mela” Pons Castañer (1921-2016), con el fin de preservar y enaltecer esta expresión religiosa, artística y cultural, y fomentar su aprecio como objeto de valor histórico.
Esta exhibición revela tanto la estética, el arte de la talla y de la policromía como el contexto en el que surgieron muchas de las prácticas devocionales en Puerto Rico. El origen religioso de esta tradición se estableció en la Isla desde la era de la colonización española. La catequización por parte de misioneros arraigó en el pueblo la práctica devocional a los santos y de la talla en madera, e introdujo el conocimiento de la riqueza iconográfica religiosa con diversos recursos (ilustraciones bíblicas, grabados y estampillas religiosas).
En la actualidad, la tradición de los llamados santos de palo sigue vigente como una manifestación artística, cultural y nacional más que religiosa. Artistas de todos los medios se han inspirado e interpretado este arte y el fervor hacia los santos para crear obras significativas de contenido social y político, generando así un género artístico autóctono. La mirada de los artistas plásticos y la continua y perseverante producción de tallas de santos han contribuido a consolidar esta tradición en el imaginario visual colectivo y en la psique e identidad del puertorriqueño.
Doreen Colón Camacho
Don Ricardo Alegría y el coleccionismo
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- Escrito por Jose Fonseca
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Cajones de ilusiones y alusiones, del reconocido arquitecto Jaime Cobas, es “un conjunto de piezas que aspira a establecer un diálogo entre la obra y el observador estimulando su imaginación, donde rebusquen recuerdos, entrelacen eventos históricos, leyendas mitológicas o de la conciencia colectiva, para así elaborar una nueva realidad, personal e individual.” La muestra está compuesta por 15 piezas en pedestales individuales e iluminación particular para permitir que sus interiores sean visibles. En adición dos piezas de gran formato, “el Alfa y el Omega, el principio y el fin, el fuego y el agua”, son: Locura de Amor y Dadme mi Número. Esta última es una ilustración de la plegaria de la poetisa puertorriqueña Julia de Burgos, donde ella ruega por la finalidad de una vida llena de desilusiones.
El propósito de esta muestra según el artista es “establecer un diálogo entre la obra y el observador estimulando su imaginación, donde rebusquen recuerdos, entrelacen eventos históricos, leyendas mitológicas o de la conciencia colectiva, para así elaborar una nueva realidad, personal e individual.”
Jaime Cobas posee un Bachillerato en Arquitectura de la Universidad de Cornell (1963) y una Maestría en Arquitectura de la Universidad de Yale (1967). Su producción artística ha sido exhibida y reconocida por la prensa y el público. En 1997, se celebró una retrospectiva de sus trabajos en el Chase Manhattan Building, en Hato Rey, Puerto Rico y su obra Gepetto’s Conundrum fue subastada a beneficio del Programa de Asistencia al Artista del Museo de Arte de Puerto Rico. En el 2015 la obra Estudio para Locura de Amor fue seleccionada en la “Muestra Nacional de Artes” del Instituto de Cultura Puertorriqueña, en el Arsenal de La Puntilla, en San Juan.
Distinguido por sus obras arquitectónicas: Fraternidad AFDA, Las Carmelitas, Caparra Executive Condominium y el “MuSA”, en Mayagüez, además por sus diseños para interiores: Bull’s-Eye, Chayote y diversos apartamentos privados en Puerto Rico, Nueva York y Japón. Sus diseños han sido publicados en revistas del exterior como: Interiors, Interior Design, Florida Quarterly, Mix y Archivos de Arquitectura Antillana. Actualmente ejerce como como profesor de diseño arquitectónico en la Universidad Politécnica, y su clase de “Arquitectura e Iluminación’, es altamente valorada por el estudiantado.
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- Escrito por Jose Fonseca
- Categoría: Exhibiciones
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The Santos of Puerto Rico Gallery shares with our visitors the devotional and iconographic wealth of this Puerto Rican folk tradition and its imagery. The pieces, from a range of times and carvers, were donated to the Museo de Las Américas by Ricardo E. Alegría Gallardo (1921–2011) and his wife, Carmen Ana “Mela” Pons Castañer (1921–2016), as a way of preserving and honoring this religious, artistic, and cultural expression and fostering an appreciation of its richness as an object of historical value.
This exhibition reveals the contexts of aesthetics, woodcarving, and polychrome wood statuary within which many of the island’s devotional practices emerged. The religious origins of the santos tradition on the island can be traced to the period of Spanish colonization. Missionaries used these pieces in part to catechize the indigenous peoples and later generations of Spaniards and creoles, and that practice evolved into a deep devotional attachment to the santos, and to woodcarving, in the community and introduced, through such resources as biblical illustrations and religious prints and devotional cards, a knowledge of the rich religious iconography associated with the Catholic saints.
Today, the tradition of wooden santos is still very much alive as an artistic, cultural, and nation-affirming manifestation even more than as an expression of religious devotion. Artists across a wide range of media have been inspired by this art and have interpreted it in their own ways, drawing on the fervor for santos to create significant works of social and political content, generating thereby an autochthonous artistic genre. These artists’ gaze and the ongoing, persistent production of santos have helped to consolidate this tradition in the collective visual imaginary and in the Puerto Rican psyche and identity.
Doreen Colón Camacho
Don Ricardo Alegría and the passion for collecting
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- Escrito por Jose Fonseca
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Iván Girona
por Rubén Alejandro Moreira
Las decantaciones químicas suelen ser procesos complicados, las del arte, en cambio, son, además, sutiles, y siguen dando la impresión de la magia. En ese afán de depuramiento formal y espiritual, la muestra Sacro Corpus de Iván Girona, permite al público acercarse una vez más a una obra cada vez más intensa en sus exploraciones y sus hallazgos. En la práctica artística, el tiempo suele ser un factor crucial a la hora de ir configurando un mundo personal, y en la trayectoria de este artista, se van ampliando registros, pero también, como decíamos al comienzo, se filtran los recursos antes utilizados en pos de resultados más prístinos que los anteriores. Girona es uno de los artistas nuestros que sigue estudiando para ver cómo toma una nueva curva inesperada en el camino.
Si bien, conocemos sus exquisitos trabajos en metacrilato, con un colorido exuberante, y por otra parte, al dibujante virtuoso con sus figuraciones imaginarias, ahora, tenemos en la muestra, su incursión en la cerámica, que expande su propuesta artística. No obstante, las obras aquí expuestas van dando pruebas en los tres medios, de una madurez que se gana a fuerza de reflexión y de trabajo constante. Los dibujos aquí expuestos tienden a subrayar volúmenes, marcar sombras; son leves, pero enigmáticos, y bien como dirigiendo la atención hacia sus nuevas búsquedas ahora en el medio de la cerámica. La incursión en el barro, ha obligado a Girona a concretar volúmenes en el espacio, y pulir superficies, que ahora imponen su tridimensionalidad, mientras antes eran sugeridas en sus trabajos bidimensionales. Eso le ha permitido experimentar lo escultórico de cerca. Así se comprueba en Madonna y en Sagrado sexo, ambas del 2019. La imaginación del artista, lo inclina a yuxtaponer formas de especimenes distintos de cualquier reino natural. Aquí sus formas cobran una sensualidad por la invitación al tacto sobre una sinuosidad de cavidades y protuberancias. Se establecen como opuestos, como principio masculino y femenino, como ejes rectores de una jerarquía compositiva.
Como decíamos poco antes, los dibujos, quizás sean el puente de lo bidimensional a lo tridimensional. Entre procesos naturales, determinaciones sociales o científicas, la configuración de protagonistas surreales le brinda el carácter alucinatorio, acostumbrados en sus trabajos de papel. Fermentación, Profeta, Herencia, El bautizante, Tentado, todos del 2019, permiten la convergencia de lo vegetal y lo animal. Muchos de los protagonistas de estos dibujos a tinta tienen una vertiginosa hibridez en su factura. Hay rasgos de tubérculos, de crustáceos, de órganos humanos camuflados por virtud intuitiva. No obstante, estos dibujos son intencionalmente más esquemáticos que rigurosamente detallados. Esto, entiendo, se debe al tránsito que se está dando en la obra de Girona hacia lo tridimensional. Las necesidades internas lo inclinan a subrayar volúmenes, insinuar sombras, y basta. Ese cuerpo tenue comienza a invadir nuestro espacio, y el diálogo entre el dibujo y la cerámica se da en voz baja. Gran contraste, en cambio, cuando examinamos los nuevos trabajos en metacrilato.
Ya comienza a advertirse también en algunas piezas en metacrilato, la necesidad de expandirse en todas las direcciones. Y hay que decirlo, las obras en metacrilato han alcanzado un nivel de sofisticación y poesía extraordinario. Ejemplo de la irrupción de la tridimensionalidad en la policromía del metacrilato, es la pieza Resurrección (2019). Desde hace más de un año, Girona viene confeccionando bocetos para futuros trabajos en los que se engarzan las piezas de metacrilato unas en otras, creando un magistral rompecabezas. Julio Cortázar lo denominaría Modelo para armar, Girona lo titula Sacro Corpus. No obstante, no es sólo el que los volúmenes han ido cobrando espacio en el espacio, sino las inusitadas armonías de color, así como un uso más osado del metacrilato en su transparencia. Del 2018, Axiomas traicioneros, Iluminación y Orbes; del 2019, Coronado, Perdore Rex, Señalamiento e Iluminado. Mientras los metacrilatos del 2018 daban la impresión de tener una aproximación más inclinada al retrato de un personaje fantástico, las más recientes se inclinan hacia la amplitud del paisaje. Decíamos que el cuerpo se extiende en el espacio. La pasión de Girona por ciertas manifestaciones de la naturaleza que él recoge en su obra de modo lírico, se vuelca en Sacro Corpus con una nueva preocupación, que es detonante de varias consecuencias plásticas. Entendemos que ese nuevo enfoque está dictado, como decíamos, por su incursión en la cerámica y en la tridimensionalidad del metacrilato. Hay una necesidad de encarnar, de que el cuerpo sea palpable en el espacio. Esto es un cuidado formal que estaba por brotar, y que ahora comienza a consumarse. Esto es obra en tránsito, ¡pero qué transito! Y en esa vía iluminada, la unión entre carnalidad, sexualidad y constitución de lo sagrado, se nos manifiesta por medio de la simbiosis de forma y color. Incluso, la transparencia juega el papel más crucial en estos trabajos, pues nuestra mirada traspasa el soporte casi como un rapto. Vemos el frente y buena parte de lo que está detrás. No es extraña esta voracidad sacralizante, pero también carnal. Devoración mediante la vista. Una hostia de colores se levanta. El dramaturgo francés Jean Genet decía, que levantarla en el momento culminante de la misa, era el acto más obsceno de todos.
